专访 OK-RM：揭晓《Figure of Speech》封面及 ALYX、SANKUANZ 等品牌视觉的设计幕后采访 OK-RM 当日，视频会议画面中出现在创始人 Rory McGrath 身后的，是工作室内摆满过往设计项目的书架，其中不乏《Virgil Abloh: Figure of Speech》、《Real Review》等为人熟知的艺术书刊。这间位于英国伦敦的设计工作室，取名自 Oliver Knight 和 Rory McGrath 两位创始人的姓名首字母。22 年前，二人在大学期间相识，毕业后各自辗转于不同设计工作室汲取经验，最终在 2008 年共同创立了 OK-RM。

　　除了书刊外，OK-RM 还为 JW Anderson、1017 ALYX 9SM、Taiga Takahashi 等时装品牌提供视觉服务。而今年年初 SANKUANZ 的 Branding 更新，以及近期颇具话题度的 Goldwin 旗下实验项目 Goldwin 0 的品牌视觉，也皆由 OK-RM 负责。为何这间设计工作室会深受时尚单位的青睐？此番，HYPEBEAST 邀请到 OK-RM，围绕「与时尚单位的合作」展开对谈。在采访中，Rory McGrath 除了谈及与 Virgil Abloh、Matthew Williams、上官喆等设计师的合作时光，以及与时尚单位合作的感受和建议，同时也分享了关于设计边界的实验性探索。

　　Virgil Abloh 于 2021 年 11 月的猝然离世，让人们的焦点再次回到他的个人书籍《Virgil Abloh: Figures of Speech》。这本「作品集」问世之初，许多人感到不解，为何 Virgil Abloh 要在职业生涯的上升期，急于为自己树碑立传？Virgil 甚至直言这本书是他的「墓碑」，在封面写上「1980-2019」，仿佛 2019 年就是他的人生终点。

　　如今，种种行径终于得到理解。显然，这位艺术家在 2019 年发现自己罹患恶疾后，急于归档自己的过往作品。随其于芝加哥当代艺术博物馆（MCA）的同名个展而发行的书籍《Virgil Abloh: Figures of Speech》，对于后世解读、缅怀 Virgil Abloh 的艺术遗产，无疑是非常沉重的存在。

　　这本书分为「Museum」、「Index」、「Archives」三章，分别代表展览目录、策展数据库和 Virgil 的「剪贴簿」。如何让这三个独立的部分在一本书存，对于负责装帧设计的 OK-RM 而言是个挑战。最终，这本书的设计概念被定为「Metabook」。Rory McGrath 对此的解释是，「Book of books」，也就是「容纳这些书的书」。

　　而《Figures of Speech》最为人熟知的，便是其独特的封面—— Virgil 手握特别版封面（正式发售分为两个封面版本）的照片，形成镜中镜的奇妙氛围，同时也让人一眼便心领神会——这十分「Virgil Abloh」。在采访中，Rory McGrath 分享了两版封面的成因，与 Virgil Abloh 的合作时光以及设计过程中的趣事。

　　这个封面展现了艺术家与书籍设计的关系，以及「Image Is King 图像为王」的理念，这本身就非常「Virgil Abloh」。

　　据我们所知，他对我们的作品十分感兴趣，所以他向 MCA 提议想和我们一起设计这本为「Figure of Speech」展览准备的书半岛综合体育下载。我们接到了博物馆馆长的电话，得知了这项提议。虽然从未见过 Virgil，但我们一直知道这位设计师，并且有各种关联，所以欣然答应。我们一见面就产生了不错的化学反应。正如大家所知，Virgil 有联名合作的天赋，所以整个合作过程也十分自然顺畅。

　　众所周知，Virgil Abloh 是一位用手机处理大部分工作的「空中飞人」，所以你们的沟通模式是怎样的？也是通过通讯软件吗？

　　对，经常，WhatsApp 是其中的重要组成部分。但他来过我们在伦敦的工作室多次，我们也去了巴黎，在他的办公室里工作过几次。我们还在酒店房间共度了工作时光，令人惊讶的是，酒店房间倒是一个非常高效的工作空间，能够让合作双方在整个过程更加紧密。此前和很多与 Virgil 合作过的朋友聊过，他们似乎也有同样的感受。就像我刚刚提到的，Virgil 是一位合作大师，他可以让人觉得目前这个项目一直是他注意力的焦点，他可以一直不停地和你交流，而且从未出现找不到他人的时刻。所以在合作中，我们能够逐渐了解彼此，并成为了朋友。

　　这本书的封面十分独特，是一张 Virgil 手握本书另一版封面的照片，可以分享一下这张封面背后的故事吗？

　　书籍设计的一个有趣之处在于，大多数人总是会想先看到封面，对吧？这好像是一个理所当然的事情，尤其是与大型出版商合作时，那些比较偏商业思维的人总是会问「这本书的封面在哪里？」但我们工作室的理念是，「封面」是更概念化的设计过程，是由书中的元素所决定，所以它往往最后才出现。当我们和 Virgil 合作时，这就变成了一个有趣的笑点——我们每次见面，或一起讨论时，他都会问，「封面在哪里？封面怎么样了？」我们总是回答，「马上有了，马上有了」。最终他表示，「如果你们不打算做封面，那我来做。」

　　所以后来有次他来伦敦，带了一本他设计的样书，封面上写了带有双引号的「Artwork」字样的解释标语，这算是他标签式的设计语言，对吧？其实我们有点预感到，他会这么做。当他拿着他的封面时，我顺势拍了下来，表示「这就是封面了，怎么样？」这倒不光是个玩笑话，我们当时的想法是，既然他不是这本书的设计师，而是这本书所讨论的艺术家对象，那么通常艺术家会作为书籍的封面形象，就像那些典型的艺术馆目录一样。于是一个有趣的创意就此诞生。

　　这个封面展现了艺术家与书籍设计的关系，以及「Image Is King 图像为王」的理念，这本身就非常「Virgil Abloh」。就在这本书问世后，每个人都开始拍摄自己握着这本书的照片，促成了火热的「Meme」效应。我们收集了有两、三百张这样的照片，这也算是此类「Archive 档案」式项目的重要组成部分。

　　除此之外，还有其他有趣的故事吗？Virgil 本人也是一位极富创意的平面设计师，他在合作中有提供过什么想法，或是希望在这本书中加入什么元素？

　　他什么都想要（笑），这本书就像是他的全部。和他一起合作时，我们不知道他病了，但直觉告诉我们，这本书是为了纪念他的遗产，因为他称之为自己的「墓碑」。同时，在设计过程中，他一直强调这是一部「关于他的作品」，而非「他的作品」。因为参与者不仅仅是 Virgil 一人，同时还有来自 MCA 的策展团队。所以这是一本「Metabook」。

　　实际上，《Figures of Speech》包含了三本书——博物馆目录、策展数据库和 Virgil 的「剪贴簿」。这三本书被装订在一起，构成了三个章节。我们当时的想法是，将容纳这三个独立部分的「容器」视为一个文件夹，就像你平时去打印东西、收集表格时会用到的那种。最终，这本书的结构就是，需要让负责每部分的团队都能保留自己的观点，而不会扼杀另一方。所以，这本书的设计理念就是「共存」。

　　谈及与 Matthew Williams 的合作，最让 Rory McGrath 印象深刻的，是其对于艺术、音乐等当代文化的开放态度。而这一点，让 Rory 想起来自类似文化背景，且同为 DONDA「毕业生」的 Virgil Abloh。「Matthew 喜欢和人交朋友」，Rory 表示 Matthew Williams 最大的魅力在于，他善于和合作方建立起信任与亲密关系，这让双方合作得以发展出无限可能。

　　Matthew 的创作方式主要是为合作创造出一个特定语境。从这个意义上讲，我们的合作不再仅仅是接受一份指示或委托，而是一起进入一个概念共享的空间。

　　我们已经持续合作超过三年了，虽然近两年因为疫情没法经常一起工作。我们之间当然有许多故事，但关于 Matthew，我首先想到的，是他融入当代文化的开放态度——在艺术、音乐和生活之间无缝衔接。而这种开放性思维，让合作变得十分自然。这一点倒是与 Virgil 十分相像，可能与他们相似的文化背景有关。

　　Matthew 的创作方式主要是为合作创造出一个特定语境。从这个意义上讲，我们的合作不再仅仅是接受一份指示或委托，而是一起进入一个概念共享的空间。有趣的是，我觉得 Matthew 一开始设想的可能只是让我们帮忙简单设计一个 Logo。至少我认为这是对话的开始。随后在第一次会议中，我们从 Logo 设计发散至所有形式的设计，一切变得皆有可能。我们的合作也由此正式开始。我们研究了每一种可能出现的设计形式：出版物、印刷品、定制字体、VI 设计、纺织品设计、硬件，以及包括 Showroom 和秀场的建筑与空间设计。我们还开发了各种类型的艺术家合作和工业设计，比如从未曝光过的 ALYX 镜子，现在就摆在我们工作室内。

　　归根结底，Matthew 对我而言是位挚友：我们会连续闲逛几天，分享故事，了解彼此，互相建立起信任。一旦建立了这种亲密关系和信任，便可以发展出一个创意社群——我们会带来自己的朋友和合作方，也许这是非正统的方式，但对所有参与者而言都有极大收获。我觉得 Matthew 是一个创造这种信任空间的天才，而这源于他的胸襟以及对于人和文化永不满足的兴趣。一旦他建立起这一空间，并让自己被人、音乐、艺术包围，那这就成了他发挥出最佳状态之处。

　　ALYX 曾经更换过品牌名，现在的「1017 ALYX 9SM」在视觉层面更能体现品牌调性，也更容易排版，这个改动是否也来自你们的提议？

　　对，因为这源于很实际的问题，我们没法在中国注册「ALYX」商标，已经有人捷足先登（笑）。所以我们必须重新命名。但问题是，我们应该换掉「ALYX」吗？但这个决定并非易事，因为「ALYX」已经作为品牌名被人熟知，而且这是 Matthew 女儿的名字，对他来说十分重要。所以我们换了一个角度，能不能在这个名字的基础上加入别的单词，类似「ALYX Studio」或「Maison ALYX」。

　　最后，我们想到这个名字对他的亲密性，于是问 Matthew，「OK，既然这是你女儿的名字，那为什么我们不干脆加入更多和你有关的元素？」比如他的名字首字母「MMW」，或他的生日「1017」，后来我们在「1017 ALYX」后面又加了「9SM」，代表了「9 St. Mark’s Place」，也就是品牌在纽约起步的地址。于是这个略带神秘感的名字便诞生了。而且正如你指出的，它更容易排版，因为这个品牌名在视觉上十分平衡。

　　在今年年初，SANKUANZ 带来 2022 秋冬系列，并将其定义为「Chapter 1」，似乎在暗示对于品牌而言这是一个全新的开始。与此同时，我们注意到品牌的 VI 系统也随之更新，而负责设计的正是 OK-RM。两间单位的首次合作令人惊喜，这既是 OK-RM 首次与中国时尚品牌合作，也是同具平面设计背景的创意人士之间的一次对话。

　　Rory McGrath 在采访中表示，最初正是被 SANKUANZ 强烈的视觉传达所吸引，从而选择开始双方的合作。他还特意提到，如何从 1017 ALYX 9SM 过山车搭扣的经验中吸取教训，在重塑「匕首」这一 SANKUANZ 的标志性元素时，采用了不同的设计手法。

　　当我们遇到 SANKUANZ 时，感受到其氛围之强烈，服饰之狂野，看到如此多融合哥特朋克风格的疯狂视觉，我们立马就知道，这会是一个非常棒的项目。

　　在本季 2022 秋冬系列中，我们看到 OK-RM 为 SANKUANZ 更新了品牌视觉，这应该是你们第一次与中国设计师合作，请问合作的契机是？

　　是的，这是我们的首个中国合作项目。上官喆也有平面设计的背景，我们都对彼此的作品很感兴趣。这是又一个充满诚意的有机合作。他向我们寻求合作时，能够从文字中感受到他对 OK-RM 的了解。而且他十分擅长解释他正在做的事情，解释 SANKUANZ 是什么。

　　记得当时我们立刻就被这个项目所吸引了。首先，我们不受地域限制，一直以来与全球创意单位进行合作，所以与一种重要的文化建立新联系总是令人兴奋的。尽管伦敦这边有一个庞大的华人社区，我们或多或少接触过中国文化，但所接触到的其实是一种混合体。我猜我们压根不了解中国，更不知道什么是「纯粹」的中国时尚品牌。所以当我们遇到 SANKUANZ 时，感受到其氛围之强烈，服饰之狂野，看到如此多融合哥特朋克风格的疯狂视觉（当然，是褒义的），我们立马就知道，这会是一个非常棒的项目，我们能感受到它的潜力。

　　SANKUANZ 的表达力无疑是非常强烈的，「匕首」是其服饰中一个有趣的元素，其之于 SANKUANZ，就如同过山车搭扣之于 ALYX。不过重点是，不要让这个元素成为品牌标识，这是我们从 ALYX 的项目上学到的。就像我们一开始与 ALYX 合作时，会在过山车搭扣上加入 Logo。当然这无可厚非，但问题在于，搭扣不能成为图像，而你在上面加入 Logo，使得搭扣的符号或标志性不那么强烈。因此，将其简化为物品本身并加入一些技术细节元素，则可以视其为一种图腾。所以对于匕首的设计，我们开发了一套「Hall Marking System 金银纯度标识系统」，就如平时会在金、银器底部看到的那种冲压标记。

　　相比一般的设计工作室，OK-RM 与时尚单位的合作相当频繁。除了创始人本身对时尚抱有兴趣外，Rory McGrath 也透露了「喜欢与时尚打交道」的原因——基于时尚的包容性与延展性，设计师可以更「艺术地」进行创作。不过在挑选合作对象上，OK-RM 则略显「任性」，一般只倾向与时装品牌的创始人或创意总监一对一合作，同时会看重项目的真实性与文化兼容性，「我们向来遵循自己的直觉，只会和能够产生共鸣和化学反应的对象合作」。除了已经合作过的这些设计师外，Rory 也流露出对日本时装文化的兴趣，希望未来能有机会与 COMME des GARÇONS、Yohji Yamamoto 等品牌合作。

　　众所周知，时装设计师是极具自我表达欲的群体，而这也是他们立足之本。Rory McGrath 认为在合作中，出现意见不合的情况是难以避免的，但平面设计师应该记住自己扮演的角色，辅助时尚单位更好地传达他们的作品，才是合作的最终目的。同时，他也建议年轻平面设计师应该学会耐心和倾听，协同合作才能创造出足够好的作品。

　　永远不要试图强迫项目进入某一预定模板，而应保持「共存」的态度，重新组织、建构，创造结果的可能性。

　　相比一般的设计工作室，OK-RM 为什么会与时尚单位走得比较近？相比其他项目，与这些时尚单位的合作有何不同？

　　总的来说，我们喜欢与时尚打交道，因为时尚的背景是非常横向的——时尚包含身体、空间、信仰——并且这是一个非常棒的平台，可以让你更「艺术地」进行创作。

　　从人类学的角度来看，时尚并不存在于「Social Vacuum 社会真空」中，而是由群体出于特定目的而动员和部署的。时尚是一种交流工具，而我们的工作是寻找一种方式来构建和传播这些想法。

　　每段合作都是不同的，对吧？与 Jonathan Anderson、Matthew Williams、Virgil Abloh、上官喆等设计师的合作过程令人愉悦，因为这些都是真正的一对一交流。我们倾向只和时装品牌的创始人或创意总监合作，这不是强调「精英主义」，也不是不尊重团队作业，我们自己也是团队。只是问题在于，当你与品牌的外圈合作时，可能会丢失很多信息，产生很多沟通成本。

　　对于每个项目，我们都会针对客户的特殊性和需求做出相应反馈，比如在繁忙的日程安排中寻找交流时间。当我们和初出茅庐的设计师一起工作时，则会倾向花更多的时间与他们相处。比如，Matthew Williams，我们在项目开始时一起度过了几天，期间我们制定了一份宣言，作为深入了解他的历史、兴趣、对工艺的理解的一种手段。这个过程非常重要，我们也乐在其中。

　　时装设计师也是极度有自我表达欲的群体，过往合作中是否有过与对方想法、审美不统一的情况，你们是如何进行沟通并继续推进的？

　　我们接受任何可能出现的冲突和对立，这是创作过程的一部分。但无论如何，我们的工作绝不是关于我们同不同意或尝试改变对方的世界观和审美，而是应该接受它，并在某一语境下展示他们的作品。时装设计师处理服装的细节，而我们则需要更全面地考虑情境。永远不要试图强迫项目进入某一预定模板，而应保持「共存」的态度，重新组织、建构，创造结果的可能性。

　　最重要的是，如果你是初出茅庐，或打算寻求合作，那么你需要学会倾听，把握倾听和理解之间的关系。全身心地专注于正在讨论的内容，注意到每次交流的细微差别。

　　你需要适应、激发和提供创意与概念。你不能只考虑自己的风格或审美，不能满脑子只关注「你自己是谁」、「你想做什么」而踏入一场合作，全然不顾这是为了谁而做。当然，你可以这样做，事实上很多人都是这样工作的，但我们并不觉得这是有益的。在我们看来，当人们一起合作时会能激发灵感，因为「合作」归根到底是不同人之间的融合，从而创造出新的东西。正是这种差异，这种内在的张力，产生了持久、可持续的作品。如果我们随意剽窃，或把自己的想法强加给别人身上，那所创造的文化真不会持续很长时间，你可以称之为一种文化资本主义。

　　所以我认为，如果你还年轻，刚加入这场游戏，那么最重要的就是耐心和倾听，并始终将你的作品和你自己视为更广泛网络的一部分，而非单打独斗的个体。

　　随着技术的迅速变革，视觉设计的边界被不断打破，时下更流行用「Visual Communication 视觉传达」一词来代替传统的「Graphic Design 平面设计」。从与 1017 ALYX 9SM 的合作中，便可窥得 OK-RM 对于自己的定位并不局限于传统的「平面设计」，而这也是采访过程中，Rory McGrath 一再强调的。近期 OK-RM 在与户外品牌 Goldwin 旗下实验项目 Goldwin 0 的合作中，除了首次涉足影像制作，还作为策展人委托建筑师、编舞家、诗人、音乐家等不同领域的创意人士共同创作。此外，OK-RM 旗下的印刷工作室 InOtherWords，也在进一步寻求传统书籍设计的可能性，相继出版了《The Archive of Dark》、《(RE)PICTURE》等艺术刊物。OK-RM 对于设计边界的实验性探索，也在印证着视觉设计的媒介流动性。

　　我们更多地是从作者的角度进行工作，非常喜欢委托艺术家、诗人、编舞家和音乐家在共同的理念下协同合作，当然，也很享受涉足电影制作的过程。

　　最近你们与 Goldwin 0 的合作在机能爱好者中受到广泛关注，请问为 Goldwin 这种大型服装公司服务，与独立设计师品牌有何不同？以及你们是如何将他们的需求转化成视觉语言？内部又是如何运转的？这次合作还有什么特殊之处？

　　需要注意的是，我们不是直接与 Goldwin 合作，而是和 Goldwin 的子项目，也就是「Goldwin 0」这个实验平台。到目前为止，我们并没有专注于如何建立品牌，而是保持开放、实验性的创作模式。

　　我们将其定义为一个实验项目，并建立了一个由多名跨领域创意人士组成的团队：建筑、舞蹈、诗歌、电影以及所有形式的设计。Goldwin 0 提出的主要需求是对可持续发展的承诺，这也是吸引到我们的关键，相较于「需求」，它更像是一个共同目标。这也是我们目前主要专注的项目。

　　OK-RM 旗下的印刷工作室 InOtherWords，帮助你们完成了许多实体刊物，当初创立它的契机是？以及目前它所承担的角色是？

　　InOtherWords 的诞生是基于我们对于设计边界的不断质疑，将 OK-RM 的理念延伸至更广泛的领域。不违背传统印刷工艺的同时，承认我们时下环境所呈现的新兴结构和机遇，以及挖掘设计潜力。InOtherWords 为我们提供了一个特定空间，使得我们能够在框架一致的项目内进行书籍创作，保证了内容与质量。我们此前从事过的书籍项目中，没有可以达到这种连贯度的。InOtherWords 让我们能够在书籍设计上更专注于探究与创新。

　　平时你们是如何获取灵感的？可以分享一下让你最受启发的作品吗？（不限于设计、电影、音乐、文学等领域）

　　我们较少受到个别事物的启发，更多是因这些事物如何相遇和融合而受到启发——社会、手工艺品、社会运动、媒体形式之间的关系。也就是说，我们确实会反复参考某些固定的资料。例如，我一直反复阅读 Sol Lewitt 于 1967 年为《Artforum》杂志撰写的文章《Paragraphs on Conceptual Art 论观念艺术》，对我而言，这是对观念艺术的意义以及如何运作最为清晰的描述。当然艺术史中也有一些著名人物是我们欣赏的，比如 Pontus Hulten（瑞典艺术品收藏家兼博物馆馆长）、John Melin（瑞典平面设计师）、Carlo Scarpa（意大利建筑师）、Yvonne Rainer（美国舞蹈家）。最近，我沉迷于法国哲学家 Gaston Bachelard 的书籍《The Poetics of Space 空间诗学》之中，它通过深刻的隐喻对空间进行了令人回味的启发性探索。除了那些艺术史和文学参考，我们也会受到人际关系的启发。我们在 Goldwin 0 中的角色，为我们提供了宝贵的学习机会，从而让我们从真切的文化交流中获得启发。

　　通过 Goldwin 0 项目，OK-RM 的业务范围变得更加广泛，我们更多地是从作者的角度进行工作，非常喜欢委托艺术家、诗人、编舞家和音乐家在共同的理念下协同合作，当然，也很享受涉足电影制作的过程。另外， 我们将继续通过 InOtherWords 开发各种书籍项目，目前 OK-RM 有一本针对学生的书籍，旨在拓展与下一代分享知识的手段，敬请期待！

　　相信许多人即使没翻阅过《Real Review》，也会对这本刊物的封面有所印象，而这也是大部分人认识 OK-RM 的契机。这本杂志由伦敦建筑文化机构 REAL foundation 于 2016 年发行，后来封面图案还以T恤印花的形式出现在 Junya Watanabe 2020 春夏系列中。有趣的是，主编 Jack Self 的名字还曾以文字编辑的身份出现在 1017 ALYX 9SM 的相关项目中。Rory 告诉我们，最初他们因接受 Jack Self 采访而相识，后者对设计和当代文化的理解让他们印象深刻，于是随后便邀请他加入 ALYX 等自身参与的项目中。

　　这不禁让人想起 Rory 提到的，合作关系衍生出的「创意社群」，吸引不同领域的创意人士加入，从而拓展设计的边界。对于深谙合作之道的 OK-RM 而言，设计是一种对话。其时常扮演「策展人」的角色，将各类资源、渠道统筹在一起，为视觉服务。同时，OK-RM 的设计非常具有辨识度，可以从过往项目中感受到其对于现代主义风格的偏好。尽管 Rory McGrath 表示在设计过程中他们更关注的是意图和原则，而非美学，但也正因为他们坚信设计中的「必要性」和「目的」（现代主义的根源），最终影响了作品的视觉呈现。

　　时尚品牌的 Logo、吊牌、海报、网站、秀场等视觉设计中，可以分享一个最让你印象深刻的例子吗？